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Die Ärzte gehören zweifellos zu den bekanntesten Bands Deutschlands, es ist kaum vorstellbar, dass jemand aus dem deutschsprachigen Raum geschafft hat, an ihren Liedern vorbeizukommen. Seit inzwischen dreißig Jahren tingeln sie durch Deutschland, anfangs durch kleine Keller in Westberlin, später durch die ganz großen Hallen. ‘Die beste Band der Welt’, wie sie sich selbst nennt, hat inzwischen einiges erlebt, und die heute 30 – 40Jährigen werden größtenteils Geschichten erzählen, wann sie das erste Mal zu Teenagerliebe getanzt und geküsst haben.

Dieses Jahr feiert die Band ihren 30-jährigen Geburtstag. Im Jahr 1982 gründete sich das Trio um den Sänger und Gitarristen Farin Urlaub, Schlagzeuger Bela B. und damals noch den Bassisten Sahnie. Der ist kurze Zeit später wieder ausgestiegen und wurde durch Hagen Liebing ersetzt, ein paar Jahre später dann vom heute noch amtierenden Rodrigo González. In den 1980er Jahren war Kreuzberg das künstlerische Mekka Westdeutschlands, dort, direkt an der Mauer zur DDR blühte das subversive Leben. Es wurde Politik und Kunst gemacht, es wurden Konventionen gebrochen und neue geschaffen. Mittendrin tummelten sich die damals noch blutjungen Ärzte und wurden von der Aufbruchstimmung und dem Wunsch nach Anderssein mitgerissen. Dabei haben sie aber eine Angewohnheit, die sie von den anderen Punkbands dieser Zeit unterscheidet: Die stellen den Humor immer an erste Stelle in ihren Songs.

Ab 1982 veröffentlichen ie Songs und spielen Konzerte, 1984 werden sie vom Label CBS unter Vertrag genommen und es folgt die erste LP ‘Debil’. Der eigentliche Durchbruch wird von zwei Instanzen initiiert, die der Band eigentlich alles andere als nah stehen: Die Jugendzeitschrift Bravo, sonst eher für den Bereich der seichten Popmusik zuständig, bringt die Ärzte wiederholt auf ihrer Titelseite, was zur Folge hat. Und die Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien indiziert die LP, was das übrige tut, um einen Mythos um die drei Berliner aufzubauen, die derweil immer noch in Abbruchhäusern hausen und sich von Konzert zu Konzert irgendwie durchschlagen.

Das ist das aber alles Vergangenheit. Nun sind sie seit vielen Jahren kommerziell erfolgreich, ihren Humor haben sie aber trotzdem nicht verloren. Nach wie vor geht es ihnen nicht um kommerziellen Ausverkauf, es gibt Geheimkonzerte, Verweigerungen, Interviews zu führen und Auftritte, die viele Stunden dauern, um die Fans nicht zu enttäuschen.

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Es herrscht wieder Krise im Land der Träume und der Freien. Und es scheint, als hätte diese schwere Zeit ihre Vorteile. Zumindest, was die Kunst angeht. Seit einigen Jahrzehnten dient Bruce Springsteen seinem Land als singender Seelsorger. Und schon immer waren seine Alben ziemlich stark abhängig vom Zustand des Landes. Immer wenn Amerika im Glanz seiner Größe erstrahlt, hat sich der amtierende König des Rock`n`Roll in Lobreden auf die Früchte verfassungsgarantierter Glückssuche geradezu verloren. Als er vor knapp vier Jahren mit seinem Album “Working On A Dream” den Amtseintritt Obamas musikalisch begleitete, waren seine Songs voller Zuversicht und Hoffnung. Er schaffte es damals, mit seinen Texten dem Rausch der Stunde Ausdruck zu verleihen. Es hörte sich alles fast so an, als würde er in diesem historischen Moment dem neuen Hoffnungsträger im Weißen Haus seinen Segen erteilen. Doch seitdem ist viel Zeit vergangen.

Das Problem im heutigen Amerika ist, dass Legende und Wirklichkeit kaum noch in Deckung gebracht werden können. Und das ist sicherlich keine Gesellschaft, in der sich Bruce Springsteen wohl fühlen kann. Immer wenn im Land der unbegrenzten Möglichkeiten etwas nicht ganz richtig läuft, ergreift Springsteen die Gelegenheit, das zu tun, was er am besten kann: predigen. Mit seinem jetzigen Album “Wrecking Ball” tritt er in die Fußstapfen einiger Dokumentaristen der Krise. Seine neuen Songs handeln vom großen Kater nach dem Rausch. Mit seinen Texten sucht er, das Schicksal vieler verarmter Arbeiter zu beschreiben. Mit seinem Trip zu den Gebeutelten und Betrogenen zollt dem braven Mann Tribut und zeigt wieder einmal, dass in jedem guten Amerikaner ein wahrer Überlebenskünstler steckt. Und er schafft es wieder einmal, mit den richtigen musikalischen Mitteln, Balsam in verletzte Seelen zu träufeln.

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Die Londoner Indie-Rock-Band Bombay Bicycle Club hat letztes Jahr das Album “A Different Kind Of Fix” rausgebracht, das mit verträumten Melodien und elanvollem Sound besticht. Zu dem Eröffnungstrack ”How Can You Swallow So Much Sleep” hat die Regisseurin Anna Ginsburg zusammen mit der Band nun ein Video rausgebracht, in dem sie das Schlaf- und Traummotiv des Stücks aufgreift und eine kleine Knetfigur in der Nacht allerlei Absurditäten und Abenteuer erleben lässt. Fans vom Bombay Bicycle Club, aber auch von detailliert und liebevoll ausgearbeiteten Animations-Filmen, sollten sich das gute Stück unbedingt mindestens einmal ansehen. 

Der Bombay Bicycle Club ist in den letzten drei Jahren sehr produktiv gewesen und hat neben dem Debut-Album “I Had The Blues But I Shook Them Loose” von 2009 auch noch zwei weitere Platten rausgebracht. Die Musik der vier Briten ist vielseitig, hat aber einen hohen Wiedererkennungswert. Sie verbinden akustische Elemente mit E-Gitarren, experimentieren mit Folk, Pop und Elektro. Die vier Musiker erfinden sich gerne neu und zeigen das mit jedem neuen Album, das sie veröffentlichen. 

Die Band hat sich 2005 gegründet und besteht aus Jack Steadman, Jamie McColl, Ed Nash und Suren de Saram. Die Musiker spielen Gitarre, Bass, Xylophon, Schlagzeug, Keyboard und singen tut jeder von ihnen. Angefangen haben sie in kleinen Londoner Clubs, bis sie 2007 von der britischen Zeitschrift NME zum besten Newcomer gekürt wurden. Seither haben sie eine erfolgreiche Karriere hingelegt und haben immer neue und interessante Musik produziert.

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Die Beach Boys aus Kalifornien, ihre Hits ‘Surfin’ und ‘Good Vibrations’, die goldenen 60er Jahre. Diese Komponenten zeichnen ein stimmiges Bild von gut gelaunten, glücklichen und braun gebrannten Surfboys, die vor lauter Lebensfreude Musik machen und die schöne Sommerwelt vom kalifornischen Strand in die Wohnzimmer dieser Welt transportieren. Die beiden genannten Songs sind tatsächlich internationale Hits gewesen, die Welt der Beach Boys allerdings war nicht immer so golden wie es das Klischee gewollt hätte.

Die fünfköpfige Band ist ein Familienclan, drei Brüder, Carl, Dennis und Brian Wilson und ihre Cousins Mike Love und David Lee Marks die Besetzung, Manager der Combo der Vater Murry Wilson, der auch derjenige ist, der ihnen Anfang der 1960er Jahre einen Plattenvertrag beim Majorlabel Capital verschafft. Es folgen viele erfolgreiche Jahre, ausgedehnte Tourneen und interne Auf und Abs in der Band. Dem Songschreiber Brian Wilson, der als der kreative Kopf der Band gilt, geht es am schlechtesten, er erleidet einen Nervenzusammenbrucb und ist ab 1964 nicht mehr mit auf der Bühne, bleibt aber der Songschreiber der Band.

Das Album Pet Sounds, erschienen im Jahr 1966, gilt heute immer noch als eienr der Meilensteine in der Popgeschichte, die Legende besagt dass das Album Sgt Peppers von den Beatles ohne Pet Sounds nie so geworden wäre wäre wie es ist. Tatsächlich verabscheiden sich die Beatles auf diesem Album von den vorangegangenen relativ eindimensionalen Songstrukturen, die einfachen Surfhits zum Mitsingen werden ersetzt durch komplexere Songstrukturen und für damailige Verhältnisse völlig untypische Instrumentierung: Zum Einsatz kamen zum Beispiel bellende Hunde, Glasflaschen oder auch Fahrradklingeln.

Jetzt, zum 50-jährigen Bandjubiläum, wollen es die Beach Boys noch einmal wissen. Dennis und Carl Wilson sind inzwischen gestorben und die übrigen Mitglieder zwischen 63 und 70 Jahren alt, das hat sie aber nicht davon abgehalten, ein neues, bisher untituliertes Studioalbum aufzunehmen und eine Tour anzukündigen, die 50 Auftritte umfasst.

Auch wenn seine melancholischen Lieder besser in eine Blockhütte mit knisterndem Lagerfeuer passen, schaffte er es im November die gesamte Berliner Columbiahalle zu füllen. Über 3.500 Menschen besuchten das ausverkaufte Konzert und konnten teilnehmen an etwas, dass getrost als magischter musikalischer Moment 2011 bezeichnet werden kann. 

Justin Vernon ist Bon Iver. Seit er 2007 sein Debutalbum For Emma, Forever Ago veröffentlichte schaffte er sich in die Herzen verschiedenster Gruppierungen zu singen. Zu seinem Konzert, in dem er die neue Platte Bon Iver, Bon Iver kamen die unterschiedlichsten Leute. Nur wenige Akkorde begleiten seine Stimme, die aus tiefster Brust von den Leiden der Liebe erzählen. Die Idee zum Projekt “Bon Iver” (Franz. Kalter Winter) kam ihm, als er sich von den Widrigkeiten der Welt in eine Jagdhütte zurückzog, um sich danach mit voller Innbrunst seinem musikalischen Projekt zu widmen.

Und er trifft mit seinen Songs genau den Nerv der Zeit. Zu viele enttäuschte Seelen, die sich in rauen Großstadtdschungeln tummeln, sehnen sich nach Stunden in denen ihr Leid durch melancholische Songs gelindert wird. Und so treffen auf seinem Konzert alleinstehende Lehrer, magersüchtige Schülerinnen und karohemdtragende Berliner Mittehipster mit Nerdbrille aufeinander, denn sie alle verbindet diese besagte Schwermut.

Als Vernon dann sein “Skinny Love” zum Besten gibt wird es besinnlich in der Columbiahalle. Nach dem Konzert sind sich alle einig, dass sie hier etwas ganz Besonderes erleben durften. 

Am Donnerstagabend startete die erste Folge von “The Voice” auf Prosieben. Diese Sendung reiht sich nun zu den anderen zahlreichen Castingformaten im Deutschen Fernsehen, welche ich sicherlich nicht extra erwähnen muss, da sie irgendwie doch jeder kennt. Nur die Frage die sich nun jeder stellt ist ob es sich dabei um die gleiche Casting-Show handelt wie bei allen anderen oder ob die Show mit etwas neuem daherkommt.

Schon recht lange vor Sende-Beginn wurde mit Werbung für die Show begonnen. Dabei wurde recht deutlich, dass es (wie auch im Titel wiederzufinden ist) vor allem um die Stimme der Kandidaten geht. So sitzt die Jury in großen Sesseln mit dem Rücken zur Bühne und sieht die Kandidaten nicht, sondern hört lediglich ihre Stimme. Dies soll zeigen, dass die Jury nicht nach äußerlichen Kriterien geht, sondern wirklich nur um die Stimme.

Als dann die erste Show ausgestrahlt wurde sah man, dass Prosieben hielt was es versprochen hatte. So stand wirklich die Stimme im Vordergrund. Außerdem war die Auswahl der Jury recht beeindruckend, da sie über wirklichen Musikverstand verfügen und so manche Jury sich um Leute wie Xavier Naidoo oder Nena die Arme ausreißen würde.

Die Show gab es bereit in Amerika und auch in den Niederlanden. Beide Male war sie bisher ein voller Erfolg und konnte große Stimmen herausbringen, welche zumindest auf nationaler Basis erfolgreich sein konnten und auch noch immer sind. Und genau das ist auch das Ziel der Casting-Show: Keine Leute auf die Bühne zerren die dann für ein Album lang erfolgreich sind und dann wieder in der Versenkung verschwinden. Viel mehr geht es darum wirklich langfristig Leuten Erfolg zu bringen und sie somit im Show-Business zu etablieren.

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Rammstein sind Deutschlands Skandalband par excellence – nun stellen die gebürtigen Berliner sich selbst ihrer bewegten Geschichte: Pünktlich zu Weihnachten erscheint eine Retrospektive ihres Oeuvres unter dem Namen “Made in Germany 1995-2011″. 2009 erschien ihr bislang letztes Studio-Album “Liebe ist für alle da”. Die sechs Musiker starten gleichzeitig zu einer neuen Tour. Auch im Ausland sind Rammstein als eine der wenigen deutschen Metalbands bekannt und teils beliebt, teils berüchtigt. Wobei das ja immer Hand in Hand geht: Ohne ihre Skandale dürften sich Rammstein heute sicherlich nicht über so viel Popularität freuen. Da wären etwa: Probleme mit dem Jugendschutz wegen Covern, Videos und Handlungen, verbotene Auftritte wie etwa in München, wo den Brachialrockern verboten wurde, am Totensonntag aufzutreten, und auch der einzige neue Song auf der Retrospektive “Mein Land” sorgt für erbitterte Diskussionen. Die meiste Kritik erntet Rammstein für ihr kriegerisches und hartes Auftreten, das an Nazis erinnert. In Interviews kämpfen die sechs Rocker vehement gegen ihre Verortung als Rechtsextreme – Songs wie “Links 2 3 4″ sprechen auch eine deutlich andere Sprache.

1994 wird Rammstein gegründet, ein Jahr darauf erscheint bereits ihr Debüt-Album “Herzeleid”. Nicht nur wegen der brachialen Kombination aus Metal, Rock und Elektronik gewinnen die sechs Jungs Aufmerksamkeit, auch die deutschen Texte von Sänger Till Lindemann und die spekatakulären und teils sehr brutalen Live-Shows mit viel Pyrotechnik errregen Aufsehen. Spätestens mit dem zweiten Album “Sehnsucht”, das 1997 erschien, war Rammstein in aller Munde, 2001 performten sie sogar bei den sonst ganz koscheren MTV Europe Music Awards. 2005 räumten sie den Echo ab – nur einer von vielen Preisen während ihrer gut fünfzehnjährigen Karriere. Ein Jahr darauf erschien ihre bereits zweite Live-CD “Völkerball”, 2009 gab es den zweiten Echo. Nachdem die sechs Musiker zehn Jahre lang nicht in US-Amerika erwünscht waren, spielten sie dieses Jahr wieder eine Show im Madison Square Garden in New York.

Musiklegenden sterben nie – sagt man zumindest. Selbst sie sind nämlich nicht vor dem irgendwann kommenden Ableben geschützt und müssen zu Grabe getragen werden. Die Musik allerdings bleibt erhalten und im Ohr. Vermutlich sterben diese Legenden deswegen nicht. Und so verwundert es kaum, dass die Menschen wenn sie mit dem Knien auf den Fußboden sitzen, auf selbigem in die Hände rhythmisch klatschen, an Freddy Mercury und seine Band Queen denken müssen. “We will rock you”, singt man dann leise oder laut vor sich her, alle anderen machen mit.

Freddy Mercury ist der Sänger der legendären Band Queen und wahrscheinlich mindestens genauso legendär wie die Band. Man hörte seine Stimme in den glückseligen Momenten, als man sich die Single “We are the Champions” in sein Kofferadio legte und diese abspielte. Genauso feierwütig wie bei “We are the Champions” hörte man “We will rock you” und feierte mit unzähligen anderen oder alleine auf der heimischen Couch – in der abermals bekannten Abfolge Knie, Boden, Klatschen.

Freddy Mercury hatte AIDS. Vor zwanzig Jahren starb der legendäre Sänger im Alter von 46 Jahren. Nun ist also der Moment für die langjährigen Queen-Fans gekommen, an dem die vielen CD’s, Schals und T-Shirts und anderen Fanartikel wieder aus dem Schrank geholt werden können. Mercury lebte einen exzessiven Stil aus. War in gewisser Hinsicht für seinen Tod mitverantwortlich, allerdings war er mit 46 Jahren auch noch ebenso zu jung, um aus dem Leben zu scheiden, so dass die Musik, die er noch produzieren und machen hätte können, der Nachwelt vorenthalten wurde. Wenigstens leben die Erinnerung und der Gestus zu seinen Liedern bei jeder Party, auf der Queen gespielt wird.

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Heute als Königin des Drama-Pop gefeiert, eroberte die stimmgewaltige Londonerin Florence Welch mit ihrem Debütalbum “Lungs” die Musikwelt. Damals schaffte sie es auf Platz eins der britischen Charts und wurde – und das ist noch erstaunlicher – auch in den USA mit einer Goldenen Schallplatte ausgezeichnet. 2011 hat es Florence Welch sogar auf die “Time Magazine”-Liste der 100 weltweit einflussreichsten Persönlichkeiten geschafft.

Durch ihre etwas altmodische Art ist Florence Welch seit 2009 für immer mehr Fans zu einer besonderen Musikerin. Sie nennt sich selbst Florence & The Machine. Bei The Machine handelt es sich um keine feste Band. Damit sind die Musiker gemeint, die sie gerade begleiten. Florence bleibt dabei immer die Hauptperson. Die altmodische Sängerin lässt sich in ihre Songs ganz fallen. Mit ihrer großen Soulstimme singt sie Indie-Popsongs. Gleichzeitig ist Florence & The Machineaber auch ein ausgesprochen modernes Pop-Produkt. Denn ihr Durchbruch in den USA gelang ihr nach einem spektakulären Auftritt bei den MTV Video Music Awards, wo sie ihren Song “Dog Days Are Over” im großen Ballkleid auf einer rotierenden Scheibe sang. Danach waren ihre Lieder im Soundtrack etlicher US-Fernsehserien zu hören.

Ihr vorheriges Album “Lungs” wurde durch die Kritiker der Musikzeitschrift “Spin” zum Album des Jahres gewählt. Nun legt sie mit “Ceremonials” den Nachfolger vor. Ihr Debütalbum “Lings”, war ein charmantes Sammelsurium aus PJ-Harvey-artigem Trotz-Blues (“Kiss with a Fist”), einer sympathischen Disco-Coverversion (“You’ve Got the Love”) und opulent arrangiertem Britinnen-Soul (“Dog Days Are Over”), aufgenommen in verschiedenen Studios mit unterschiedlichen Produzenten. Ihr neues Album dagegen klingt nicht mehr nach einer Vorliebe fürs Unperfekte. Das neues Album wurde ausschließlich mit dem Produzenten Paul Epworth im Abbey-Road-Studio aufgenommen. Fast alle Songs sind rund fünf Minuten lang, voller Streicher und Stammestrommeln, und Florence Welchs Stimme ist nahezu nonstop im Drama-Modus. Kritiker fragen sich, ob sie mit ihren intimen und bewegenden Texte über Bedauern, Betrug und Begräbnisse, die sie mit bombastischen Sound kombiniert hat, nicht vielelicht die Richtung von U2 einschlagen will.

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Um die legendäre isländische Post-Rock-Formation Sigur Rós rund um Sänger Jonsi ist es in den letzten Jahren ziemlich still geworden. Verschiedene Gerüchte kursierten – spekuliert wurde unter anderem um eine Auszeit der Band, um sich Solo-Projekten widmen zu können, und um ein angeblich beinah schon fertiges neues Album, das dann aber doch verworfen wurde. Nun meldet sich die Avantgarde der nordeuropäischen Musikszene, die auf einer Wellenlänge mit so berühmten Musikern wie Björk oder Amiina steht, endlich wieder zurück: Ein Doppel-Live-Album mit Konzertfilm wurde bei den Internationalen Film-Festspielen von Venedig im vergangenen September präsentiert. Kommendes Jahr könnte dann ein neues Studio-Album der isländischen Traum-Rocker folgen.

Das Live-Album, das unter dem Titel “Inni” erhältlich ist, ist keines dieser langweiligen Konzert-Aufzeichnungen, bei denen alle Lieder genau wie die im Studio eingespielten Songs klingen, nur inklusive Applaus und Performance. Sigur Rós verarbeiten Elemente ihrer Songs und spielen damit frei herum – wer die vier Jungs einmal live erlebt hat, kann aus eigener Erfahrung berichten, wie mächtig und intensiv ihre Live-Performance ist: Ihr Klang-Spektrum reicht von zerbrechlichen und leisen Tönen wie in “Flótjavík” zu brutalen Wänden aus Lärm wie in “Ny Batterí”. Diese Vielfalt und Wucht wird von den 15 Songs auf der Doppel-CD, beziehungsweise von den 13 Songs des Konzert-Films perfekt wiedergespiegelt. Aufgezeichnet wurde bei den letzten Konzerten der Band vor ihrer Auszeit im Alexandra Palace in London im Jahr 2008. Bei diesen Gigs verzichteten die Musiker auch auf das Streicherquartett amiina, das sie sonst bei fast allen Auftritten unterstützte – so kann der Zuhörer und oder Zuschauer einen sehr persönlichen, intimen Blick auf die isländischen Musik-Genies werfen.